Kenny Barron, comienza a dar lecciones de piano a los doce años y en 1957 logra su primera participación en una orquesta. Tras un breve paso por las formaciones de Philly Joe Jones y Yusef Lateef (1960), se instala en Nueva York, donde trabaja con Ted Curson y, luego con James Moody, Lee Morgan, Lou Donaldson (1961).
Al año siguiente toca con Roy Haynes, antes de reemplazar (por recomendación de James Moody) a Lalo Schiffrin en el quinteto de Dizzy Gillespie, donde se da a conocer y que abandona en 1966 para tocar con Freddie Hubbard y Stanley Turrentine. En marzo de 1970 se incorpora al cuarteto de Yusef Lateef; trabaja luego con Milt Jackson, Jimmy Heath, Stan Getz (1974-1975) y posteriormente inicia una duradera colaboración con Ron Carter (1976-1980). En 1981, es junto al saxofonista Charlie Rouse, uno de los fundadores de Sphere, grupo al que permanecerá fiel hasta su disolución además de trabajar, a partir de 1984, con Bobby Hutcherson y de acompañar a numerosos músicos en grabaciones o giras (como por ejemplo a Stan Getz en su gira europea de verano de 1987). En 1972 da clases de piano en el Jazzmobile Workshop y, desde1973, de practica y teoría musical
El estilo y la trayectoria de Kenny Barron guardan cierta similitud con los de Tommy Flanagan y Hank Jones: ha acompañado a muchos músicos, ha sabido adaptarse a cada contexto con un oficio impresionante. Verdadero estilista del bebop, a principios de los años ochenta se convierte en una especie de depositario de determinada tradición del piano-jazz moderno: trabaja especialmente la sonoridad, un desarrollo armónico refinado y formulas rítmicas inexploradas, todo ello sin abandonar jamás su profundo arraigo en el swing.
Jazz pianist Kenny Barron celebrates the music of Brazil on his 2013 studio album, Kenny Barron & the Brazilian Knights. Here, Barron performs a variety of songs from the late Johnny Alf, as well as composer/harmonica player Maurício Einhorn, who also joins Barron on the album. Also joining Barron are such luminaries as trumpeter Claudio Roditi, saxophonist Idriss Boudrioua, drummer Rafael Barata, guitarist Lula Galvão, bassist Sérgio Barrozo, and keyboardist Alberto Chimelli. This is highly engaging Brazilian jazz.
KENNY BARRON
Pianist, Composer, Arranger
Kenny Barron’s unmatched ability to mesmerize audiences with his elegant playing, sensitive melodies and
infectious rhythms is what inspired The Los Angles Times to name him "one of the top jazz pianists in the world” and Jazz Weekly to call him “The most lyrical piano player of our time.”
Philadelphia is the birthplace of many great musicians, including one of the undisputed masters of the jazz piano: Kenny Barron. Kenny was born in 1943 and while a teenager, started playing professionally with Mel Melvin’s orchestra. This local band also featured Barron’s brother Bill, the late tenor saxophonist.
By 1959 Kenny had worked with drummer Philly Joe Jones while still in high school. At age 19, Kenny moved to New York City and freelanced with Roy Haynes, Lee Morgan and James Moody after the tenor saxophonist heard him play at the Five Spot. Upon Moody’s recommendation Dizzy Gillespie hired Barron in 1962 without even hearing him play a note. It was in Dizzy’s band where Kenny developed an appreciation for Latin and Caribbean rhythms. After five years with Dizzy, Barron played with Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Milt Jackson, and Buddy Rich. The early seventies found Kenny working with Yusef Lateef who Kenny credits as a key influence in his art for improvisation. Encouraged by Lateef, to pursue a college education, Barron balanced touring with studies and earned his B.A. in Music from Empire State College, By 1973 Kenny joined the faculty at Rutgers University as professor of music. He held this tenure until 2000, mentoring many of today’s young talents including David Sanchez, Terence Blanchard and Regina Bell. In 1974 Kenny recorded his first album as a leader for the Muse label, entitled “Sunset To Dawn.” This was to be the first in over 40 recordings (and still counting!) as a leader.
Following stints with Ron Carter in the late seventies Kenny formed a trio with Buster Williams and Ben Riley which also worked alongside of Eddie Lockjaw” Davis, Eddie Harris, Sonny Stitt and Harry “Sweets” Edison.
Throughout the 80’s Barron collaborated with the great tenor saxophonist Stan Getz, touring with his quartet and recording several legendary albums including “Anniversary”, “Serenity” and the Grammynominated “People Time” Also during the 80’s, he co-founded the quartet “Sphere,” along with Buster Williams, Ben Riley and Charlie Rouse. This band focused on the music of Thelonious Monk and original compositions inspired by him.
Sphere recorded several outstanding projects for the Polygram label, among them “Four For All” and “Bird
Songs.” After the death of Charlie Rouse, the band took a 15-year hiatus and reunited, replacing Rouse with alto saxophonist Gary Bartz. This reunion made its debut recording for Verve Records in 1998.
Kenny Barron’s own recordings for Verve have earned him nine Grammy nominations beginning in 1992 with “People Time” an outstanding duet with Stan Getz followed by the Brazilian influenced “Sambao and most recently for “Freefall” in 2002. Other Grammy nominations went to “Spirit Song”, “Night and the City” (a duet recording with Charlie Haden) and “Wanton Spirit” a trio recording with Roy Haynes and Haden. It is important to note that these three recordings each received double-Grammy nominations (for album and solo performance.)
His CD, “Canta Brasil” (Universal France) linked Barron with Trio de Paz in a fest of original Brazilian jazz, and was named Critics Choice Top Ten CDs of 2003by JazzIz Magazine. His 2004 release, Images (Universal France) was inspired by a suite originally commissioned by The Wharton Center at Michigan State University and features multi-Grammy nominated vibraphonist Stefon Harris. The long awaited trio sequel featuring Ray Drummond and Ben Riley, The Perfect Set, Live At Bradley’s, Part Two (Universal France/Sunnyside) was released October 2005.
In Spring 2008 Mr. Barron will release his first studio recording in four years with The Traveler (Universal France), an intoxicating mix of favorite Barron tunes set to lyrics and newly penned compositions. In a first for the noted pianist, he is joined by vocalists Grady Tate (who sheds his drumsticks for this special appearance), Tony award winner Ann Hampton Calloway and the young phenom Gretchen Parlato, winner of the Thelonious Monk International Competition for Jazz. On “Um Beijo”, Mr. Tate’s warm, leathery voice balanced by Mr. Barron’s poignant touch make for a beautifully textured conversation, underscoring their longtime on stage collaboration. Another Barron original, “Clouds” is a lush vehicle for Ann Hampton Calloway’s romantic pitch-perfect yearnings matched with Barron’s trademark mastery of subtlety. The dramatic “Phantoms” intertwines Parlato’s ephemeral intimacy and syncopatic rhythms in an emotional escapade between Barron’s haunting notes, the West Afrrican stylings of guitarist Lionel Loueké, drummer Francisco Mela (who also adds a Cuban flavor to the vocals) and the driving bass of Kiyoshi Kitagawa. The journey continues with the aptly named “Duet” an improvisation with Beninborn Loueké who also joins the trio for a rousing version of Barron’s “Calypso”. A composer who relishes in the moment, Barron’s modern approach is highlighted by alto saxophionist Steve Wilson’s open musings on “Illusion” and “The Traveler” who also brings an urgency to the fun-paced “Speed Trap”.
Barron consistently wins the jazz critics and readers polls, including Downbeat, Jazz Times and Jazziz
magazines. In 2005 he was inducted into the American Jazz Hall of Fame and won a MAC Lifetime Achievement Award. He is a six-time recipient of Best Pianist by the Jazz Journalists Association and was as a finalist in the prestigious 2001 Jazz Par International Jazz Award. Whether he is playing solo, trio or quintet, Kenny Barron is recognized the world over as a master of performance and composition. Source
Algun medio describió a Fela Kuti, padre del Afrobeat, como la mezcla perfecta entre el Che Guevara y Bob Marley...
Yo me preguntaría: ¿Y John Coltrane no?
Sin dudas para mi el aporte músical más importante, revolucionario, cósmico y total del Siglo 21, pero que como tal, pasarán muchos años hasta que se le termine de dar la importancia que tuvo y que tendrá, una vez que se pueda tener una perspectiva completa de lo que fue el paso de Fela por este mundo.
Este disco no es original de él sino que es un remix aggiornado y armado por un DJ, cortando los temas mezclandolos, etc y que yo considero una muy buena entrada al mundo de Fela, o un detalle de color para los ya adentrados en el mismo. Antes o despues, estarán sus 20, 30 o 70 discos de estudio, generalmente con solo 2 temas, de entre 15 y 25 minutos cada uno...
Hace poco hicimos en FM La Tribu una radio abierta junto a la gente de Sonidos Clandestinos y Leo Tarifeño repasando la vida y carrera de Fela. Su Nigeria natal, sus viajes por el mundo y especialmente por Californa en el año 1969, cuando conoce a las Panteras Negras y graba su primer disco como Fela Kuti, su regreso a Lagos y la fundacion de la Republica independiente de Kalakuta, sus 356 detenciones por parte de la policia, sus 27 esposas, sus 2 hijos más famosos, Femi y Seun, y toda la actualidad del Afrobeat en el mundo.
Ya se vendrán las fiestas y los festivales de Afrobeat, porque nadie puede evitar bailar con esta música, y nadie olvida la primera vez que escucha la música de Fela. Fuente
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25 DE MAYO, DÍA DE ÁFRICA
El mito del Dios Fela, invocado en Londres
El 17 de mayo, músicos africanos y de la diáspora participaron en un concierto homenaje a Fela Kuti en Londres. Una reseña sirve para repasar la trayectoria del artista nigeriano.
Agotado. Centenares de personas dan la vuelta a 229, en la calle Great Portland, junto al Regents Park de la capital británica, corazón de una de las grandes diásporas africanas y nigerianas. Los que esperan fuera, minutos antes de un concierto que rendiría tributo al gran Fela Anikulapo-Kuti, quieren intentar saborear lo que Nigeria vivió en los 70, cuando Fela y su banda Afrika 70 se convirtieron en el icono cultural y social de toda África negra. Los que están dentro quieren invocar el espíritu de Fela. Algunos compartieron escena con él durante muchos años, como el legendario batería Ginger Baker, de Cream y Blind Faith, dos bandas de blues-rock con Eric Clapton, otro de los grandes protagonistas de la escena musical mundial; Tony Allen, batería de Fela durante Afrika 70 y Egypt 80, crucial en la creación del afro-beat; y el carismático Dele Sosimi, director musical de la banda de Fela, Egypt 80, teclista, ahora con la banda Afrobeat Orchestra, que inicia la noche.
Otros, jóvenes influidos por Fela. Keziah Jones, compositor y guitarrista, con una performance vocal impecable; el joven rapero Black Twang, y más joven aún, Afrikan Boy; Breis, quien participó en el festival de cine London Film Africa en la experiencia piloto de Veejaying, poniéndole voz en directo a tres películas; TY, KOF; la vocalista y bajista Shingai Shoniwa, de la banda de indie Noisettes, originariamente de Zimbabwe y con una belleza “muy Fela”, que rápidamente avanzó intentando, con poco éxito, pasar desapercibida entre la cola que pronto se uniría a su voz pro-Fela; y Terri Walker, que vive en Londres desde sus 17 años, de padres jamaicanos, más asociada al R&B y al soul, otra de las principales voces protagonistas, quien tuvo el honor de protagonizar uno de los clásicos más esperados de la noche.
Juntos celebran la reedición de la antología del Fela, The Best Of The Black President 2, un músico que produjo más de 50 álbumes, de la discográfica Knitting Factory Records en asociación con AGMP, una de las promotoras líderes de eventos musicales en Londres. El público, si bien no suman las 10.000 personas que solían asistir a las actuaciones de Afrika 70 durante los años de mayor éxito del cantante, en la década de los 70, sí reproducen a pequeña escala, 700 personas, el espíritu de la diversidad de públicos atraídos por la música de Fela, desde otros músicos y amantes de la música a radicales, activistas, estudiantes y demás personas, tanto nigerianas, como de la diáspora africana, como jóvenes británicos y de otras nacionalidades, a sus pasos por Londres.
Por fin. Dentro. La sala destaca por su ambientazo, en el que se establece un diálogo continuo entre los propios artistas, y entre los artistas con su público, al estilo Fela. Con la libertad de que los músicos puedan bajar del escenario a bailar con el público de las primeras filas, y volver tan tranquilamente. Es éste el caso del artista TY, tras interpretar uno de los temas más populares de Fela, “Zombie”.
El afro-beat significaba un momento de diversión, pero también de protesta simbólica contra los residuos de la estructura colonial
Fela se convirtió en uno de los puntos de referencia en la lucha por introducir la ideología la retórica y los símbolos del poder negro afro-americano no sólo entre las juventudes nigerianas, sino en toda la cultura popular del África occidental. Su música, el afro-beat, atravesaría toda frontera, hasta convertirse en el icono, en el “presidente negro”. El afro-beat era una fusión de muchos aspectos. Por un lado, de la música tradicional con el jazz, el funk y el highlife. Por otro lado, significaba un momento de diversión, pero también de protesta simbólica contra los residuos de la estructura colonial, responsable de tantas injusticias sociales no sólo en Nigeria, sino en todo el continente africano. Sus palabras revolucionaron toda la comunidad negra africana. Su música, si es que ésta puede separarse de sus palabras, revolucionó y continúa revolucionando la escena musical mundial. La orquesta afro-beat de Dele Sosimi, gran protagonista de la noche, demuestra de manera impecable este legado.
El nombre Fela significa “aquel que emana grandeza”. Y era esto precisamente lo que Fela buscaba en la vida. Pero grandeza según Fela no era algo individual. El insistía en la necesidad de tener una gran nación como requisito para poder ser grande, de ahí su continua llamada al panafricanismo. Según cuenta su padre a Carlos Moore, en Fela: this bitch of a life, un libro publicado en 1982, fruto de un seguimiento al admirado icono desde 1974, ya desde pequeño, por el tipo de preguntas que éste hacía, sabían que iba a ser un niño “problemático”. De hecho, lo llevaron a consultar el oráculo Ifá, el orisha más universal de los yorubas, la etnia de Fela, quien les confirmaría lo que ya sus padres intuían.
Fela no solo se daría cuenta desde muy pronto de la opresión que los oyinbo (blancos, en Yoruba) habían ejercido y seguían ejerciendo en su país, sino que dedicaría toda su vida a luchar contra esa opresión, ese abuso de poder. De ahí el número de títulos – Why Black Men Dey Suffer, Shuffering and Shmiling, Colonial Mentality, etc. – que atacarían este régimen y legado colonial, que no había sino mantenido el aparato político y administrativo, establecido por los colonizadores británicos. Como diría el profesor Ramón Reig, de la Universidad de Sevilla, se dio una maniobra “lampedusiana”, en la que se cambia todo para que todo siga igual. Así, cuando en 1960 Nigeria se declaró por fin Estado independiente, coincidiendo con el año de independencia de muchos países africanos, el control ejercido por los colonos pasó a las manos de determinadas élites étnicas nativas de Nigeria. Las consecuencias de esta maniobra verían la luz a mediados de los setenta. A pesar de que Nigeria proclamaba estar a la cabeza del liderazgo militar, económico, político y cultural de la África negra, gracias a su enorme industria petrolera, que por entonces experimentaba un boom, el país vivió también un caos civil, instado por la inadecuada infraestructura civil.
Fue este el ambiente que se palpó en el FESTAC, el segundo festival mundial de las artes y culturas africanas, en 1975, coincidiendo con el año de congestión del sistema portuario nigeriano. Si bien el boom petrolero había sido clave en la selección del país como segunda casa del festival, tras la primera edición en Senegal en 1966, Nigeria sufría unas circunstancias sociales que Fela se negaría silenciar. Según cuenta en Fela: this bitch of a life, el FESTAC no era más que una pantomima para llenar los bolsillos de los militares y de los políticos inútiles, por lo que él se dedicaría a hacer su “contra-FESTAC”. Durante el mes del festival, que había atraído académicos y artistas de 55 países africanos y de la diáspora africana, África Shrine, al mando de Fela, atraería todos esos públicos, para contarles lo que realmente estaba sucediendo en Nigeria, ya que, según él, la mayoría de los habitantes del Lagos, ciudad donde se celebraba el FESTAC, se sentían excluidos de su propio festival, que no hacía más que acentuar los estereotipos negativos africanos, a base de una primitivización de sus culturas. Aunque el gobierno intentara boicotearle, dada la crítica tan audaz que Fela hizo públicamente sobre el hecho de que el festival estuviera organizado por el régimen militar, las actuaciones de Fela durante ese mes atrajeron nombres como Stevie Wonder, entre otros.
El trabajo de Fela, si bien de una unicidad indudable, debe entender dentro de la larga tradición de músicos de África occidental, quienes hacía canto a la alabanza, crítica social y al mismo tiempo, se convertía en historiadores orales. Fela insistía en que no le gustaban las etiquetas: “No me gusta que la gente me ponga nombre, como ‘radical’, ‘agitador’, ‘hooligan’, o cualquier otra mierda. Mi nombre es Fela Anikulapo-Kuti. Presidente negro o Sacerdote Jefe de Shrine, si quiere. ¡Pero nada más, se lo ruego!”, recogía Carlos Moore en su libro. Sin embargo, Fela no sólo se ha ganado el título de “Presidente Negro”, como gustaba, sino que ha sido referido como “el rey del afro-beat”, en reconocimiento de su gran talento musical, y como “dios”. Un dios al que se ha invocado desde su propia música en este tributo celebrado en Londres. “Queremos que el espíritu de Fela baje”, decía la introducción del concierto.
Uno de los “motes” que no disgustaban al Presidente Negro era el de 'campeón de las gentes', pues, sin el público, la música de Fela sería impensable
Esta invocación espiritual estuvo presente durante todo el concierto. “¡Queremos saludar a nuestro amigo y Dios Fela Kuti”, repetía Dele Sosimi tras una hora de concierto. Fela llegó a convertirse en una de las figuras más respetadas de Nigeria en los años 70. Su influencia perdura hasta hoy, y se perpetua a través del afro-beat. Pero se dio en el concierto un tipo de invocación especialmente curiosa, con la estética que emanan las “queens” que formaban parte del propio Fela. La vocalista de las Noisettes, Shingai Shoniwa, entra en escena cual sirena dorada. A Breis no le convence el asombro silencioso del público y le provoca, preguntándole si quieren fiesta o no. Shingai Shoniwa sigue erguida y dorada en el centro de la escena. Breis, a su lado, pregunta al público “¿es esta una señorita o no?”. Sin perder el ritmo ni la dramatización de la performance, improvisa un rap a base de distintos registros de la palabra “lady”, a los que la musa Shingai responde corporalmente, con movimientos tan limpios como elegantes, reproduciendo la fuerza de la belleza de las mujeres que rodeaban al dios Fela. Reproduciendo también el mito del Dios Fela.El presidente negro era también conocido por su discurso abierto sobre el sexo. Fela tenía 15 esposas (Remi, Naa Lamiley, Aduni, Kevwe, Funmilayo, Alake, Adejonwo, Najite, Adeola, Kikelomo, Ihase, Omowunmi, Omolara, Fehintola y Sewaa), que según él la prensa sensacionalista siempre frivolizaba por el tabú que había sobre el sexo. El culto que Fela le rendía se manifestaba no sólo a través s de sus letras, como en Na Poi, otro de los títulos estrella de la noche, sino también a través del cuerpo femenino en escena, que solía dedicar grandes momentos de solos de las bailarinas de Afrika 70, tales como Aduni Idowu, Funmilayo Onilere, Omolara Shosanya, altamente erotizados. De repente, ese solo erotizado de Shingai Shioniwa se convierte en una suave transición al tema Lady, gracias a esa invocación provocada por Shingai Shoniwa, una especia de figura mitológica, heroína del Dios Fela, que amaba a sus mujeres en cada una de sus múltiples bellezas por la perfección de cada una de ellas en el desempeño de sus tareas. Tal vez, de hecho, se le pueda criticar a este concierto la escasez de queens, quizás por falta de espacio en escena, pues sólo hubo dos coristas femeninas, a veces acompañadas por los saxos y el trombón de la Afrobeat Orchestra, indispensables sin embargo para dar la réplica y que la música continúe.
Esta estructura dialógica, en el que existe siempre una voz que da lugar a una respuesta por parte del coro, vuelve a repetirse con la pareja de jóvenes artistas Terri Walker y KOF. Dele se coloca en el teclado, como en los orígenes de los tiempos de Fela —pues los tiempos de Fela, tal como este evento mostró, continúan hoy—. Los saxofones nos anuncian que ha llegado el gran clásico “Water no enemy”, en el que el rey del afro-beat usa el agua como metáfora del propio fluir de la sociedad, resaltando las interacciones armoniosas, con el que necesitaba también fluir el gobierno, para que los resultados no fueran, como hasta ahora, desastrosos. Y cual corriente agitada por el movimiento de la naturaleza, se ve irrumpida por esta pareja. La voz de Terri muestra la influencia de la cultura teatral Yoruba, clave para entender el lenguaje musical de Fela, satírico y burlesco. Terri no se limita a cantar “sus partes”. Sus movimientos faciales no pierden la expresividad mientras que KOF da la réplica, y sólo gracias a ese diálogo, la música sigue viva. Continúa. Tal vez por eso, otro de los “motes” que tampoco disgustaban al Presidente Negro era el de 'el campeón de las gentes', pues, sin el público, la música de Fela sería impensable.
El poder de convocatoria de Fela cierra el concierto, con la multitud de artistas participantes, reunidos en el saludo, que permite ahora ver de cerca al gran batería Tony Allen, y a Ginger Baker, al que se le había escuchado haciendo un solo reverenciado por Dele Sosimi. El público no quiere abandonar este “juego espiritual de underground”, tal como Fela lo llamaba, en su álbum The underground spiritual game. Los artistas regalan una última canción, pero el público, tras casi cuatro horas de concierto quiere más. Fela lo predijo, en “Afa Ojo”, “cuando mi alma se desprenda de su carcasa de piel y huesos y haya adoptado la forma de un espíritu; y cuando, a las pocas horas mi cuerpo haya sido devorado por los gusanos, sólo entonces seré libre por fin. Ahora soy un espíritu… La verdadera vida. Aquella que nunca perece ni se desintegra”.
Artículo escrito por Estrella Sendra, licenciada en Comunicación Audiovisual y Periodismo por la Universidad de Sevilla, máster en Critical Media and Cultural Studies en el SOAS de Londres y especialista en cine y culturas africanas. Publicado originalmente en Wiriko.
01 - Intro
02 - Ololufe Mi (feat. Koola Lobitos)
03 - Trouble Sleep Yanga Wake Am (feat. Africa 70)
04 - Look And Laugh
05 - Mr Grammarticalogylisationalism Is The Boss (feat. Africa 70)
MELT YOURSELF DOWN ''MELT YOURSELF DOWN'' (UK.2013) @ This fierce, self-titled debut album from Melt Yourself Down sounds fresh but feels like the soundtrack to an old memory, finds Helen Brown. By Helen Brown
Every now and then, a brand new record feels like the soundtrack to an old memory. And for me, this hectic and freewheeling duststorm of punk, funk, jazz and world music would have been the perfect score to a demented taxi ride I once took outside of Alexandria, Egypt. We were well clear of the ancient city by the time I realised that my driver was completely lost and spoke no English. Glass and wooden beads strung with evil eyes rattled frantically from the rear-view as we careered through the desert. There was a bizarre prang at an isloated crossroads. A blasting of horns. The metallic clatter from the dangling bumper. Abandonned laughter of some gun-toting security guards we asked for directions. Random bursts of disco music from the faulty radio. The warped beauty of the heat-hazy horizon. A giddy, fatalistic sense of abandonment to the momentum of the moment.
I can hear it all in the debut from the “avant-garde jazz supergroup” assembled by Acoustic Ladyland/Polar Bear saxophonist Pete Wareham. Driven to create “Nubian party music”, he called up Kushal Gaya, frontman of percussive and polylingual Bristol band Zun Zun Egui, drummer and composer Tom Skinner (Hello Skinny), clarinettist Shabaka Hutchings (Sons of Kemet), bassist Ruth Goller (Acoustic Ladyland), percussionist Satin Singh of Transglobal Underground and electronics guru Leafcutter John. The band took their name from a rare album by American punk/jazz saxophonist James Chance and set about recording on an old Lightship, moored in East London. The consequence is an explosively danceable racket that was instantly sold as “the sound of Cairo ’57, Cologne ’72, New York ’78 and London 2013” and “modal jazz detonated by rhythms to rearrange the DNA”.
Essentially, it’s dance music, driven by fierce horn riffs that sound like they’ve been lifted from old technicolour movies about the Pharaohs, locked in back of an old transit van and driven at high speed over a pot-holed road by somebody on hallucenogenic drugs. It’s mostly instrumental but wild, snarling emissions from Gaya in shamanic mode add intensity. First single, Fix My Life, finds him repeatedly shouting “Gonna fix my life today!” with the edgy euphoria of an addict who’s hit bottom. There’s a distorted clubber’s squelch to the electronic pulse of second single “Release!” and a slow, sinuous sidewinding to the mercifully more mellow “Free Walk”.
The collective’s strength lies in their snakelike energy: all coiled muscle, hypnotic sway and dangerous unpredictability. The flaw is that it can all get a bit lairy. And while it sounds fresh now, by the end of the festival season, we’ll have seen a lot of leathery, old punks pogoing to it in their pants and jester hats. Source
GILBERTO GIL & VUSI MAHLASELA ''THE SOUTH AFRICAN MEETING OF VIRAMUNDO'' (BRASIL-SUDAFRICA,2013) @
Gilberto Gil viaja a los orígenes musicales en "Viramundo"
El músico brasileño Gilberto Gil, que asegura que la lucha ha sido la contraparte de su exitosa carrera musical, hace un viaje en la película "Viramundo" para buscar sus orígenes musicales en Brasil, África y Australia.
El documental del cineasta suizo Pierre-Yves Borgeaud, que usa la lente de las comunidades indígenas que luchan para preservar su identidad cultural después de los gobiernos coloniales, se estrenó el sábado por la noche en el festival internacional de documentales "Visions du Reel", en Nyon (Suiza).
"A través de encuentros musicales buscábamos los vínculos entre países y sus pueblos que estuvieron subordinados a la dominación y colonización, ese fue el caso de Brasil, Australia y Sudáfrica", dijo Gil a un grupo de periodistas antes de la proyección en el festival.
En la película, el productor Emmanuel Getaz acompaña a Gil y a su percusionista, Gustavo Di Dalva, a lo largo del hemisferio Sur, desde Bahía, en Brasil, a los territorios del norte de Australia y a Sudáfrica, antes de volver al Amazonas.
Empieza en Salvador, donde nació Gil hace 70 años. Vestido con las ropas tradicionales azules de los intérpretes de los Filhos de Gandhi, participa en el vibrante carnaval.
Después vuela hasta Sídney, donde se reúne con Peter Garrett, el ministro de Educación de Australia y ex solista de la banda de rock Midnight Oil. Gil recuerda cómo siguió con su música mientras era ministro de Cultura durante el gobierno del presidente Luiz Inacio Lula da Silva entre 2003 y 2008.
La siguiente parada es un centro comunitario en Redfern, un barrio de Sídney, donde el aborigen Patrick Dodson dice: "Nunca hubo ningún reconocimiento a nuestra cultura única. La aspiración de la cristianización y la occidentalización era que no continuara nada de quiénes somos como pueblo aborigen".
Gil empatiza debido a su experiencia, aunque destaca que ha habido algún progreso.
"En mi país donde los negros fueron llevados como esclavos, sufrieron y fueron humillados y separados y cualquier cosa mala que puedas pensar", dijo Gil a Dodson. "El tiempo pasó y las cosas cambiaron. Y ahora tenemos un ministro negro".
El viaje musical continúa hasta Johanesburgo (Sudáfrica), donde un joven trompetista negro en la barriada de Soweto se yuxtapone con una violinista blanca que vive en una casa vallada.
Ambos jóvenes músicos tocan en la multirracial orquesta Miagi, pero sus historias personales llevan hasta una actuación con Gil y el activista y cantante sudafricano Vusi Mahlasela.
Ambos hombres interpretan el bello dueto de "Tempo Rei", y Mahlasela cantan entonces "Say Africa", explicando el concepto zulú de "ubuntu", que traduce como "una persona es una persona a causa de otras personas".
La última parte de la odisea transcurre en la ciudad con fuerte presencia indígena de Sao Gabriel da Cachoeira, Brasil. Allí, un cantante que se autodescribe como mitad brasileño y mitad indio canta la canción final sobre la degradación del frágil entorno del Amazonas.
Gil considera que sus dificultades han sido la motivación de su vida.
"Desde su adolescencia, he sido un activista en política y en la lucha social", dijo ante el público de la película. "He estado implicado en el movimiento contra la dictadura militar y estuve en prisión durante tres meses y expulsado. La lucha también es una parte esencial de mi historia, un elemento de entusiasmo y un motor".
La película se estrenará en Francia y Suiza a principios de mayo y llegará al resto de Europa, Brasil, Sudáfrica y Estados Unidos después. Fuente
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"The South African Meeting Of Viramundo" is a fantastic collaboration between Gilberto Gil, Vusi Mahlasela and other amazing guest musicians.
This album is a celebration of a musical encounter made during the making of the Viramundo documentary that will be premiered in Nyon on the 20th of April.
Recorded and mixed by Yvan Bing, assisted by Laurent Vonlanthen and Stephane Chapelle for Kitchen Studio the album is available on Qobuz in high audio definition quality. Check it out!
"The South African Meeting Of Viramundo" est la magnifique collaboration de Gilberto Gil, Vusi Mahlasela et d'autres musiciens du brésil et d'afrique du sud.
L'album est le fruit d'une rencontre musicale faite durant le tournage du documentaire Viramundo dont la première aura lieu à Nyon le 20 avril.
Enregistré et mixé par Yvan Bing assisté de Laurent Vonlanthen et Stephane Chapelle pour Kitchen Studio, l'album est disponible sur Qobuz en haute qualité audio. Source
Mansare et Keita sont de même famille. Les Keita sont de famille royale depuis le règne de Soundiata, grand roi mandingue du 13eme siècle. Face à la terreur de Soumaoro Kante le frère ainé de Sundiata Keita Dankaran Touma quitta le Mande pour s’installer à Kissidougou. Pour désigner ses descendants la population Kissi s’exclamait « le roi ! le roi ! » soit en maninka « mansa le ! mansa le » ainsi les Keita de Kissidougou ont donné le nom patronymique Mansare. (Konate = Keita = Mansare = Dounoh).
Le nom de la ville de Kissidugu porte encore la trace de cette histoire : « kissi » signifie « survie » et « dugu » la terre, le pays. Pour Dankaran Touma Kissidugu aura était une terre d’accueil qui lui a permis de survivre.
A l’époque de la conquête coloniale ( 19 ème siècle) Kisi Kaba Keita, descendant de Dankaran Touma, était le chef de la région de Kissidugu. Il était accompagné d’un orchestre de musique traditionnelle dans lequel figurés deux flûtistes Mamadi et Tambou Mansare.
Voici l’histoire de Mamadi Mansare. La flûte lui a sauvé la vie. Ses enfants et petits enfants ont perpétué son art, les emmenant loin des frontières de la Guinée.
Mamady Mansare était d’origine paternelle Kisi et Kouranko par sa mère. Alors qu’il n’était pas encore circoncis (vers 18 ans parfois) et qu’il subissait les railleries familiales et villageoises il décida de partir dans la famille de sa mère en pays kouranko. C’est à cette occasion qu’il découvrit la flûte qu’il commença son apprentissage avec ses nouveaux amis d’âge. Ceux-ci pratiquaient la flûte de manière courante ce qui n’était rarement le cas en pays kisi. Ses amis lui donnèrent quelques notions. Ils plaçaient leurs doigts sur la flûte comme les peuls (un doigt avec la main gauche et deux doigts de la main droite).
Après la cérémonie de circoncision il revint dans son village natal avec la flûte dans ses bagages. Il était alors le seul à jouer la flûte, il introduisit cet instrument dans sa région.
En pratiquant il était parvenu à créer une prise en main spéciale que l’on retrouve encore aujourd’hui uniquement avec les flûtistes Mansare : il tient sa flûte avec deux doigts de la main gauche (l’indexe et l’annulaire) sur les deux trous du haut et un doigt de la main droite (l’index) sur le trous du bas. Il créa cette prise semble-t-il pour se forcer à travailler les doigter de la main gauche (travaillant ainsi son point faible) et pour être plus libre avec sa main droite. Puis il commença à apprendre la flûte à certains de ses amis, notamment à Tambou.
Il y eut ainsi de nombreux flûtistes dans son village. Des flûtistes kouranko venaient parfois leur rendre visite.
Pendant la conquête de Samori Toure (fin 19ème ) qui combattait non seulement les envahisseurs mais également les populations africaines qui collaboraient, Mamadi Mansare fut pris par ses « sofa » (guerriers). Samori faisait couper la tête de ses captifs sur une grande place. Mamadi Mansare faisait partie du groupe de ces captifs qui devaient être décapités mais lorsque vint son tour on remarqua un petit sac en peau qu’il portait au dos. On lui demanda donc de sortir ce qu’il contenait : il y sortie sa flûte et on lui demanda de jouer. Il fut ainsi conduit chez Samori qui apprécia son art. Il fut ainsi sauvé et prit comme élément de Samori.
Après la mort de Samori Toure (déportation vers 1900) il revint à Kisidugu durant la période de colonisation. Il joua alors pour l’orchestre de Kisi Kaba Keita, chef du Faramayah. C’est à ce moment qu’il créa en hommage à son chef « la voie sacrée ». Il mêla à la mélodie des imitations de chants d’oiseaux (perdrix..). Les chants d’oiseaux est une source d’inspiration pour le flûtiste qui s’exerce et pratiquent brousse.
Lors de réceptions des colons français, Kisi Kaba faisait jouer son orchestre composé de nombreux musiciens dont mamadi et son ami Tambou. Les français ont apprécié leur musique et les ont invité à jouer en France (exposition coloniale ?). Mamadi Mansare reçu des français une flûte en aluminium comparable à la sienne (il est possible de voir cette flûte au Musée Nationale de Guinée).
Mamadi Mansare entretenait un rapport sacrée avec sa flûte. Il faisait de nombreux sacrifices à la flûte.
Agé, il enseigna son art à un de ses derniers fils Mamadi Mansare, son homonyme (qu’on appelera ici Mamady II pour plus de facilité).
Mamadi II Mansare:
Si le destin de Mamady Mansare était intimement lié au contexte de colonisation celui de son fils sera marqué par le temps des indépendances. De son vrai nom Tambou (homonyme de l’ami de son père) il répondait au nom de son père après sa mort (mamady) comme cela se faisait parfois. Mamady II Mansare sera dès 1961 le premier flûtiste des Ballets Africains de la République de Guinée avec lequel il voyagera, faisant ainsi découvrir son instrument au monde entier. Il céda sa place à son neveu Mamadi III Mansare en 1988.
Il continua néanmoins à jouer. A travers sa longue carrière d’artiste il a apporté une contribution énorme dans le jeu et la transmission de la flûte mandingue. Il prit part à de projets musicaux intéressants : Matchowé de Momo Wandel, la bande originale du film Djembefola ainsi que l’album Mogobalu de Mamadi Keita.
Il décéda brusquement le mardi 11 mai 1996 dans un accident de moto.
Mamadi III Mansare :Neveu de Mamady II avec qui il se forma à la flûte, dès les années 60 il était au Ballets Africains pour enfin devenir le premier flûtiste en 1988. Il voyagea considérablement avec les Ballets notamment avec les tournées Héritage, Silo,…
Il enregistra lui aussi avec Momo Wandel (Afroswing) et Mamady Keita (Mamady Lee) perpétuant ainsi le travail de son oncle, mais également avec de nombreux artistes : Kongbanan Conde, Kelonton Cissoko, Percussion Limanya, Bangourakie… En 2008 il décida de prendre sa retraite des Ballets Africains laissant ainsi la place à son fils.
Mamady IV Mansare :Fils ainé de Mamady III, il s’est formé avec son père et l’oncle de son père. Il intégra rapidement les Ballets Djoliba en 1999 avant de rejoindre les Ballets Africains en 2006 comme stagiaire. Depuis 2009 il est désormais le premier flûtiste. Il a participé au disque Menden Diara de Mamady Keita.
(UPDATED) RICHARD BONA ''LIVE AT SAN SEBASTIAN JAZZALDIA'' (CAMERUN,2006) @
Al escuchar a Richard Bona, uno rápidamente se da cuenta de su talento y virtuosidad, es un cantante, compositor y multiinstrumentista de jazz y jazz fusion, especializado en el bajo eléctrico, instrumento del que es uno de los máximos exponentes actuales a nivel mundial, y con un registro que va desde el jazz a la música de raíz. Acompañado por la excelente sonoridad de una banda interracial de Africa, América y Europa, Bona construye un universo sonoro donde se funden todos los géneros, para crear una música llena de pasión e intensidad que traspasa fronteras.
El lenguaje de Bona, en su doble vertiente de compositor y músico, refleja sus múltiples y variadas influencias, desde las complejas armonías características del jazz hasta los intrincados poliritmos característicos de las músicas tradicionales africanas, pasando por la importancia de la melodía, que se deriva del interés del músico en el pop y el soul, y que lo ha convertido en uno de los músicos africanos que mejor ha sabido fusionar los sonidos y tradiciones musicales de su África natal, con la influencia europea y el mejor jazz americano. Con el bajo en sus manos, Richard Bona habla muchos lenguajes, pero al captarlo a la mitad de una frase emotiva, pareciera como si sus notas hayan sido escogidas justo para nuestros oídos. Si se le agrega su embrujador falsete vocal, se puede escuchar a la más identificable y emotiva voz en el bajo eléctrico desde Jaco Pastorius.
No es asombroso que desde su llegada a los Estados Unidos en 1995, este músico nacido en Camerún, de 42 años de edad, ha llegado a ser uno de los más requeridos acompañantes para un notable rango de artistas. Mientras la fluida navegación por el diapasón, la compleja aproximación rítmica, y su lirismo lo han llevado al status de “héroe del bajo”, él añade su singular voz, su único estilo en la guitarra, y sonoras canciones apoyadas en cuentos tradicionales africanos, en una carrera globalmente exitosa como artista solista, vendiendo decenas de miles de discos alrededor del mundo. Como siempre, los devotos del bajo eléctrico necesitarán escuchar entremedio de las capas de sonido para captar las brillantes líneas, y la voz de Bona en su idioma nativo (Douala) requiere un diferente conocimiento de la mente y de los oídos.
Pero la recompensa es tan grande como una planicie africana. En cuanto a su música, el explica que es una combinación de la música tradicional africana que aprendió mientras crecía, combinada con las influencias externas que recibió viviendo en grandes ciudades como París y Nueva York. Como a la mayoría de los músicos, le molestan las etiquetas. Cuando la música de cualquier tipo le toca internamente, la abraza y la aprende; esta es la única distinción que hace. Dice que: “Los Estados Unidos son el país más grande del mundo, pero infortunadamente no es musicalmente abierto”. Allí la música está muy formateada, por lo que ha tomado la forma de “contaminación acústica”, con estridentes tambores sampleados, siendo disparados en cualquier lugar público. Y la gente se ha acostumbrado a eso; cuando los jóvenes ven a un baterista tocando en vivo su batería, el sonido les extraña, ellos esperan una pesada y retumbante máquina de ritmos. Por lo que hacer giras en los Estados Unidos con su música es difícil. Sólo hizo nueve conciertos allí el año 2005, y pasa la mayor parte de su tiempo tocando afuera.
La ruta de su carrera ha sido bastante positiva hasta este momento. Un escritor le preguntó recientemente acerca de cuál era su sueño. Y Richard Bona le contestó, “hombre, estoy en mi sueño!” He estado viviendo en mi sueño por años. Estoy creando música, criando a mis hijos, y viviendo una vida muy bendecida. He sido lo suficientemente afortunado para haber tocado con la mayoría de los músicos vivos con los que he querido tocar. Soy feliz. Mucha más gente necesita probablemente realizar esos sueños por sí misma. Mi abuelo solía decir: ¡No seas como el hombre que tiene un pie hundido en el lago, pero se muere de sed! Los comentarios están extraidos de un artículo tomado de gatoarrieta.blogspot.com, y de una nota de Iñigo Díaz, para el diario el Mercurio, de Chile. Los temas son de los discos: Scenes from my life (1999) y Reverence (2001) Sony Music, Munia (2003), y Tiki (2005) y The Ten Shades of Blues (2009) ambos para Universal. Es una realización de Jorge Laraia. Fuente
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Singer, composer, and multi-instrumentalist of “world jazz,” Richard Bona (Minta, Cameroon, 1967) is known above all for his mastery of the bass, of which he is the rightful heir to Jaco Pastorius and one of the most preeminent prodigies globally. Bona is one of the best African musicians at fusing the sounds and musical traditions of his native Africa with European influences and the best American jazz. Together with melodies and original Cameroon cadences, another world rhythm emerges with meticulous instrumentation and capacity for individual brilliance.
His song lyrics, performed in his native language, Douala, and sometimes in French and English, narrate experiences, either personal or invented, but with a decidedly universal connotation: situations, feelings, stories of day-to-day life.
Bona solidifies his talent, his sleek harmonious sound, the strength of his African roots, his jazz and his powerful musical reflections in solo concerts or with collaborators – Mike Stern, Chick Corea, Bobby McFerrin, Branford Marsalis, Pat Metheny…- and in a brief but intense discography - Scenes from my life (99), Reverence (01), Munia (03), Tiki (05)–, with the addition of The ten shades of blues, we approach a global and human vision that exudes happiness, innocence, vitality and compromise. Source
(UPDATED) OLGA CERPA Y MESTISAY ''PEQUEÑO FADO Y OTRAS CANCIONES DE AMOR'' (ESPAÑA,CANARIAS,GRAN CANARIA,2009) @
domingo 2 de noviembre de 2008 Mestisay ya tiene nuevo disco
Poco menos de un mes falta para la presentación en concierto, el próximo 29 de Noviembre en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas, de "Pequeño fado y otras canciones de amor", el nuevo disco de Mestisay, un disco que acaba de salir a la venta.
El citado trabajo discográfico resulta ser un sugerente experimento musical de fuerte acento atlántico, lleno de pasiones y memoria, donde la voz de la cantante acerca el género del bolero hasta las orillas del fado portugués en una afortunada lectura musical, que ha juntado a músicos de fado portugueses y músicos canarios procedentes del mundo del bolero. Pequeño fado y otras canciones de amor, reúne en esta nueva entrega una docena de canciones fuertemente arraigadas en la memoria musical y en el espíritu de los amantes de la canción romántica.
Diseñada y desarrollada por el equipo de Canarias7digital, el grupo canario estrena también una nueva página web llena de nuevos contenidos, aprovechando la salida del nuevo disco y con un diseño gráfico que se basa en el elegante grafismo desarrollado en el disco. Aparte de la audición gratuita de algunas de las canciones del mismo, los internautas se podrán descargar dos canciones que no han sido editadas en el mismo, fondos de escritorio con fotos del grupo y algunas de las fotografías y postales históricas rescatadas y proyectadas en el espectáculo “Romántico”. –www.mestisay.es
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“Pequeño fado y otras canciones de amor”, nuevo disco de Olga Cerpa
Olga Cerpa
La cantante canaria Olga Cerpa publicará el próximo otoño "Pequeño fado y otras canciones de amor". Las abandonadas dependencias del Hospital de San Martín de la capital grancanaria han servido al director Pedro Ruiz para situar el videoclip del primer sencillo del nuevo disco "Pequeño fado".
Además de las instalaciones sanitarias en las que el Cabildo proyecta un centro cultural, el vídeo de Olga Cerpa recoge imágenes de los emblemáticos y conocidos barrios de Lisboa como La Alfama y el Chiado, que han sido producidas bajo la dirección del realizador portugués Tiago Pereira.
El disco de Olga Cerpa recogerá una decena de canciones –la mayoría de ellas incluidas en el espectáculo "Romántico" que estrenó con Mestisay en una gira por teatros y auditorios españoles hace unos meses-, que bajo el cálido tapiz de su voz nos recuerdan tiempos de amores desgarrados en blanco y negro. El vídeoclip contó con la participación de músicos de fado portugueses y músicos isleños venidos del mundo del bolero.
La canción "Pequeño fado", cuyo autor es el otro miembro de Mestisay, Manuel González, ha sido la empleada por Cerpa para este trabajo promocional al servicio de su nuevo disco, un experimento musical inédito y de fuerte acento atlántico, en el que se realiza una lectura de las mejores páginas del género del bolero desde el prisma del fado.
No es la primera vez que la cantante nacida en Moya (Gran Canaria) se encandila por la cadencia del fado y su país de origen. Han cantado algunos temas de Amalia Rodrigues y colaboró con el músico portugués Julio Pereira en su disco "Rituais". También en los conciertos de Mestisay es frecuente que se incluya algún fado en su repertorio como "Fado de mar". La primera aventura en solitario de Cerpa arrancó con "Bolero" y prosiguió con "Romántico".
Fuente: http://www.canariasmusica.com/
